Der Wert von Domains ist und wird auch in Zukunft schneller steigen als jeder andere Rohstoff, den die Menschheit kennt. -Bill Gates-
BAsk Hearby: Der KI-Chatbot für Musikliebhaber, Künstler und Veranstaltungsorte
Was ist Hearby?Stellen Sie sich vor, Sie fragen sich, welche Live-Events in Ihrer Nähe stattfinden – und die Antwort ist nur einen Klick entfernt. Genau das bietet Hearby.
Hearby ist eine innovative Plattform, die Fans mit großartigen lokalen Konzerten verbindet. Ziel ist es, Musikliebhaber, Künstler und Veranstaltungsorte miteinander zu vernetzen und Live-Musik für alle zugänglich zu machen. Von kleinen, intimen Gigs bis hin zu großen Konzertveranstaltungen – Hearby setzt alles daran, jede Art von Live-Event ins Rampenlicht zu rücken.
Die Idee hinter Hearby
In einer Welt, in der die großen Stars und Megakonzerte oft dominieren, geraten kleinere Veranstaltungen und aufstrebende Künstler leicht in den Hintergrund. Hearby wurde entwickelt, um genau das zu ändern. Die Plattform möchte Live-Musik auf allen Ebenen fördern, indem sie den Zugang zu kleineren, lokalen Events genauso einfach macht wie zu großen Shows bekannter Künstler.
Dank moderner Technologien hilft Hearby dabei, Veranstaltungen in der Nähe zu entdecken, die vielleicht sonst unbemerkt geblieben wären. Ob Sie nach einem Jazz-Abend in einer gemütlichen Bar, einem Indie-Konzert in einem kleinen Club oder einem Open-Air-Auftritt suchen – Hearby zeigt Ihnen, was gerade los ist.
Ask Hearby: Der persönliche KI-Assistent
Eine der herausragenden Funktionen von Hearby ist Ask Hearby, ein KI-gestützter Chatbot, der speziell entwickelt wurde, um Nutzern bei der Suche nach Live-Musik zu helfen. Mit wenigen Fragen können Musikliebhaber personalisierte Empfehlungen erhalten, während Künstler und Veranstaltungsorte von einer erhöhten Sichtbarkeit profitieren.
Ask Hearby beantwortet nicht nur Fragen zu lokalen Events, sondern hilft auch dabei, Lieblingskünstler oder bestimmte Genres zu finden. Ob Sie spontan nach einem Konzert suchen oder gezielt planen möchten – der Chatbot ist der perfekte Assistent, um Ihre musikalischen Wünsche zu erfüllen.
Unterstützung für Künstler und Veranstaltungsorte
Hearby setzt nicht nur auf die Begeisterung der Fans, sondern auch auf die Unterstützung der Musikszene. Indem es Künstlern und Veranstaltungsorten eine Plattform bietet, trägt Hearby dazu bei, die Reichweite kleinerer Acts zu vergrößern und lokale Musikszenen zu stärken. Dies ist besonders wichtig in einer Zeit, in der viele unabhängige Musiker und Veranstaltungsorte um Aufmerksamkeit und Unterstützung kämpfen.
Die Zukunft von Live-Musik
Mit seiner Mission, Live-Musik für jeden zugänglich zu machen, könnte Hearby die Art und Weise, wie wir Konzerte entdecken und erleben, nachhaltig verändern. Die Plattform zeigt, dass großartige Musik nicht nur in ausverkauften Arenen, sondern auch in kleinen, charmanten Locations erlebt werden kann.
Für Musikliebhaber, die neue Klänge entdecken möchten, für Künstler, die ihre Reichweite erweitern wollen, und für Veranstaltungsorte, die mehr Publikum anziehen möchten, ist Hearby eine bahnbrechende Lösung.
Ob Sie einen unvergesslichen Abend erleben oder einfach nur Ihre lokale Musikszene unterstützen möchten – Hearby bringt Sie hin. Entdecken Sie Live-Musik in Ihrer Nähe und lassen Sie sich von der Vielfalt der musikalischen Welt inspirieren.
Blockchain: Funktionsweise und Schutz von Urheberrechten für Künstler und Musiker
Blockchain ist eine dezentralisierte und transparente Technologie, die es ermöglicht, Transaktionen in einem Netzwerk auf sichere Weise zu speichern. Jede Transaktion wird in einem "Block" gespeichert, und diese Blöcke werden in einer chronologischen Kette, der sogenannten "Blockchain", aneinandergereiht. Einmal in der Blockchain aufgezeichnet, sind die Daten nahezu unveränderlich, was Manipulationen verhindert.Funktionsweise der Blockchain
Dezentralisierung: Im Gegensatz zu herkömmlichen Systemen, bei denen Daten von einer zentralen Instanz (z.B. einer Bank) verwaltet werden, wird die Blockchain von einem Netzwerk von Computern, den sogenannten "Nodes", verwaltet. Jede Node besitzt eine Kopie der gesamten Blockchain und verifiziert neue Transaktionen.
Konsensmechanismen: Um neue Transaktionen in die Blockchain aufzunehmen, muss ein Konsens innerhalb des Netzwerks erreicht werden. Dies erfolgt durch Mechanismen wie den "Proof of Work" oder den "Proof of Stake", die sicherstellen, dass nur gültige Transaktionen hinzugefügt werden.
Unveränderlichkeit: Sobald ein Block in die Blockchain aufgenommen wurde, ist er schwer zu ändern oder zu löschen. Dies macht die Blockchain besonders sicher und vertrauenswürdig.
Transparenz: Jeder kann die Blockchain einsehen, was die Technologie äußerst transparent macht. Alle Transaktionen sind öffentlich, obwohl sie pseudonymisiert sind, um die Privatsphäre der Nutzer zu schützen.
Wie kann Blockchain Künstler und Musiker schützen?
Die Blockchain-Technologie bietet Künstlern, Musikern und Komponisten zahlreiche Vorteile, insbesondere wenn es darum geht, ihre Urheberrechte zu schützen und faire Vergütungen zu erhalten. Hier sind einige der Hauptvorteile:
1. Urheberrechtsschutz durch unveränderliche Aufzeichnung
Künstler können ihre Werke in einer Blockchain registrieren, um den Urheberrechtsschutz zu sichern. Durch das Speichern eines Werks (z.B. eines Songs, eines Kunstwerks oder einer Komposition) in der Blockchain entsteht ein unveränderlicher Beweis für den Zeitpunkt der Kreation und den Urheber. Dies bietet einen starken rechtlichen Schutz, da die Blockchain als Beweismittel für das Eigentum an einem Werk dienen kann.
2. Direkte Vergütung durch Smart Contracts
Ein wichtiger Aspekt für Künstler ist die faire Vergütung für die Nutzung ihrer Werke. Blockchain ermöglicht es, durch sogenannte Smart Contracts (intelligente Verträge) automatische und direkte Zahlungen zu erhalten. Wenn beispielsweise ein Song gestreamt oder heruntergeladen wird, kann der Smart Contract automatisch sicherstellen, dass der Künstler sofort bezahlt wird, ohne dass Intermediäre (z.B. Plattenfirmen oder Streaming-Plattformen) nötig sind. Dies erhöht die Transparenz und Fairness bei der Vergütung.
3. Verwaltung und Schutz von Lizenzen
Blockchain kann genutzt werden, um Lizenzvereinbarungen für die Nutzung eines Werks zu verwalten. Dies ist besonders relevant für Musiker und Komponisten, die ihre Musik an verschiedene Plattformen lizenzieren. Die Technologie stellt sicher, dass Lizenzen transparent und eindeutig sind und dass Künstler über jede Nutzung ihres Werks informiert werden. Außerdem können Lizenzvereinbarungen in der Blockchain festgelegt und durch Smart Contracts automatisch durchgesetzt werden, wodurch die Verwaltung einfacher wird.
4. Nachvollziehbare Verwertungsketten
Die Blockchain bietet Künstlern die Möglichkeit, jede Nutzung ihrer Werke nachzuvollziehen. Da jede Transaktion in der Blockchain aufgezeichnet wird, kann ein Künstler genau sehen, wann und wo seine Musik abgespielt oder verkauft wurde. Diese Transparenz ermöglicht es, die Verwertungsketten genau zu verfolgen und Missbrauch oder illegale Verbreitung schneller zu identifizieren.
5. NFTs (Non-Fungible Tokens) für den Verkauf und Besitznachweis
Eine der aufregendsten Entwicklungen in der Blockchain-Welt für Künstler sind NFTs. NFTs sind einzigartige digitale Zertifikate, die das Eigentum an einem bestimmten Werk repräsentieren. Musiker und Komponisten können ihre Musikstücke oder Alben als NFTs verkaufen, was es den Fans ermöglicht, eine einzigartige und limitierte Version des Werks zu besitzen. Dies schafft neue Einkommensmöglichkeiten und stärkt die direkte Beziehung zwischen Künstlern und ihren Fans.
Herausforderungen und mögliche Nachteile
Obwohl Blockchain-Technologie für Künstler viele Vorteile bietet, gibt es auch einige Herausforderungen:
Energieverbrauch: Besonders der Proof-of-Work-Mechanismus, der bei vielen Blockchains verwendet wird, ist sehr energieintensiv, was Umweltprobleme aufwerfen kann.
Akzeptanz und Implementierung: Die Technologie ist noch relativ neu, und viele Künstler und Musiker sind mit der Funktionsweise nicht vertraut. Es wird Zeit brauchen, bis sie sich breit durchsetzt.
Kosten: Zwar spart die Blockchain-Technologie langfristig Geld, aber die anfänglichen Kosten für die Implementierung und Nutzung können für kleinere Künstler eine Hürde darstellen.
Fazit
Blockchain hat das Potenzial, die Art und Weise, wie Künstler ihre Werke schützen und monetarisieren, zu revolutionieren. Die Technologie ermöglicht es, Urheberrechte unveränderlich festzuhalten, Lizenzvereinbarungen zu verwalten und direkte Vergütungen durch intelligente Verträge zu erhalten. Trotz einiger Herausforderungen könnte Blockchain ein wichtiger Schritt in Richtung eines faireren und transparenteren Kunstmarkts sein, der Künstlern und Musikern mehr Kontrolle über ihre Werke und Einnahmen gibt.
Der Niedergang der Radiokultur: Eine verlorene Kunst des Zuhörens in der Bilderwelt
In einer Welt, die von visuellen Eindrücken überflutet ist, scheinen wir eine grundlegende menschliche Fähigkeit zu verlieren: das Zuhören. Früher war das Radio ein zentrales Medium, das Menschen in seiner stillen, unsichtbaren Art verband. Es bot eine besondere Form der Kommunikation, die rein akustisch und doch tiefgreifend emotional war. Doch mit dem Aufstieg der Bilderwelt – Fernsehen, Internet und sozialen Medien – hat das Radio nach und nach an Bedeutung verloren. Der Rückgang der Radiokultur steht dabei symbolisch für unsere schwindende Fähigkeit, wirklich zuzuhören.Vom Radio zur visuellen Überflutung
Das Radio war einst ein mächtiges Medium. Es begleitete Menschen durch den Alltag, ließ Geschichten lebendig werden und brachte Musik in jedes Wohnzimmer. Radio hatte den besonderen Vorteil, dass es die Fantasie anregte. Ohne visuelle Ablenkung musste der Zuhörer seine eigenen Bilder im Kopf formen. Worte und Klänge erhielten mehr Bedeutung, weil sie die einzige Quelle der Vorstellungskraft waren.
Mit dem Einzug des Fernsehens, und später des Internets, verlagerte sich unsere Aufmerksamkeit zunehmend auf das Visuelle. Bilder und Videos verdrängten das gesprochene Wort. Heutzutage sind soziale Medien, Streaming-Plattformen und endlose Videos die Hauptquellen unserer Unterhaltung und Information. Visuelle Reize sind so allgegenwärtig, dass das Radio – und das Zuhören selbst – als veraltete, passive Form der Aufnahme gilt. Doch in dieser ständigen Überflutung von Bildern haben wir das Wesentliche verloren: die Fähigkeit, Stille und Töne bewusst wahrzunehmen.
Die verlorene Kunst des Zuhörens
Das Zuhören ist eine der intimsten Formen menschlicher Kommunikation. Es erfordert Geduld, Aufmerksamkeit und die Bereitschaft, sich auf etwas einzulassen, das man nicht sofort visuell erfasst. Doch genau diese Qualitäten sind im digitalen Zeitalter immer seltener geworden. Unsere Gesellschaft ist geprägt von Eile, Multitasking und der ständigen Ablenkung durch Bildschirme. Wir konsumieren Informationen oft passiv und nebenbei, ohne wirklich zuzuhören oder nachzudenken.
Wir hören nicht mehr zu, um zu verstehen, sondern um zu antworten. Gespräche werden zu schnellen, oberflächlichen Austauschformen, bei denen die Tiefe verloren geht. Auch in der Musik zeigt sich diese Entwicklung: Statt bewusst hinzuhören, wird Musik oft nur noch als Hintergrundrauschen wahrgenommen, während wir in sozialen Medien scrollen oder Serien schauen.
Das Ohr: Ein unterschätztes Sinnesorgan
Unser Gehör ist eines der mächtigsten, aber auch am wenigsten bewussten Sinnesorgane. Wir hören ständig, doch wie oft nehmen wir wirklich bewusst wahr? Geräusche, Stimmen, Musik – sie alle können tiefgreifende emotionale Reaktionen auslösen und uns in andere Welten entführen. Doch durch die Dominanz des Visuellen verlernen wir, unser Gehör bewusst zu nutzen und zu schätzen.
Dabei hat das Hören eine einzigartige Kraft: Es fordert uns heraus, uns auf etwas einzulassen, ohne sofortige visuelle Bestätigung. Es ist eine Übung in Geduld und Achtsamkeit, die uns lehrt, die Tiefe und Nuancen von Klängen und Worten zu erkennen. Bewusstes Zuhören fördert nicht nur unsere Konzentration, sondern auch unsere emotionale Intelligenz. Es schafft Raum für Empathie und Reflexion, etwas, das in der heutigen schnellen Welt oft zu kurz kommt.
Der Weg zurück zum bewussten Zuhören
Wie können wir den verlorenen Wert des Zuhörens wiederentdecken? Ein erster Schritt wäre, das Radio und andere auditive Medien wieder stärker in unseren Alltag zu integrieren. Podcasts, Hörbücher oder klassische Radioprogramme bieten eine Möglichkeit, die Kunst des Zuhörens wieder zu üben. Indem wir uns auf das Hören konzentrieren, ohne dabei von Bildern abgelenkt zu werden, können wir eine tiefere Verbindung zu den Inhalten und unserer Umwelt aufbauen.
Zudem könnten wir uns selbst bewusster machen, wie wir in Gesprächen agieren. Statt nur darauf zu warten, was wir als Nächstes sagen wollen, könnten wir versuchen, wirklich zuzuhören – ohne Unterbrechung, ohne Eile. Es ist eine einfache, aber transformative Praxis, die nicht nur unser persönliches Leben bereichern kann, sondern auch unsere Beziehungen zu anderen Menschen.
Fazit: Eine Zukunft des Zuhörens
Der Niedergang der Radiokultur und die Dominanz der Bilderwelt sind symptomatisch für eine tiefere kulturelle Verschiebung: das Verlernen des Zuhörens. Doch es ist an der Zeit, diese Fähigkeit wieder zu kultivieren. In einer lauten, hektischen Welt, die uns mit Bildern und Informationen überflutet, könnte das bewusste Zuhören zu einem Akt der Achtsamkeit und inneren Ruhe werden. Wir müssen lernen, unser Gehör wieder bewusst zu schätzen, denn in der Stille der Töne liegt oft mehr Wahrheit als in jedem Bild.
Die Beatles und die Kunst der Aufnahmetechnik
Die Beatles gelten zurecht als die erste Rock 'n' Roll-Band, die das Aufnahmestudio in vollem Umfang erforschte und nutzte. Ihr Produzent, George Martin, spielte dabei eine entscheidende Rolle und trieb die Band an, bei ihren Studioaufnahmen über die damaligen Grenzen des Pop und Rock hinauszugehen.In einem Interview mit dem "Booked on Rock"-Podcast sprach Jerry Hammack, Autor des Buches "The Beatles' Recording Techniques", über dieses Thema und führte ein konkretes Beispiel mit einem der größten Hits der Fab Four an (Transkript von Ultimate Guitar).
"Einer der großen Stärken von George Martin als Arrangeur war es, zu erkennen, dass in vielen Fällen ein kombinierter Klang die Aufmerksamkeit stärker auf sich zieht als der individuelle Klang eines Instruments oder einer einzelnen Stimme", erklärt Hammack. "So ist der große, dröhnende Akkord am Anfang von 'A Hard Day's Night' von mehreren Instrumenten gespielt. Mindestens zwei Gitarren sind beteiligt, vielleicht sogar noch ein Klavier. Die Idee dahinter ist, dass die 'Schichtung' von Klängen sie interessanter und einprägsamer macht." Wie sich herausstellte, nutzte Martin die Magie der Overdubs auch, um einen weiteren sofort erkennbaren Teil des Songs zu erschaffen. Hammack wies außerdem darauf hin, dass Martin selbst ein Instrument auf dem Track spielte:
"Das Solo in 'A Hard Day's Night' wurde mit halber Geschwindigkeit aufgenommen und dann schneller abgespielt, weil es für [George] Harrison etwas schwierig war, die Triolen sauber und konsistent zu spielen. Es handelt sich also um einen Overdub. Und während Harrison das Solo spielte, spielte Martin genau dieselbe Linie auf dem Klavier. Wir hören also die Gitarre, aber die Gitarre, die wir hören, ist eine Kombination aus Gitarre und Klavier."
"Martin verwendete diese Technik an vielen Stellen in ihrem gesamten Katalog. Es ist eigentlich eine Orchestertechnik, bei der mehrere Instrumente einen unisono-Part spielen, aber dabei unterschiedliche Aspekte der Textur und des Frequenzspektrums abdecken."
Vergessene Meisterwerke der Renaissance: Charles d'Argentils "Missa pro defunctis"
In der Welt der frühen Renaissancemusik gibt es zahlreiche Komponisten, deren Werke im Laufe der Zeit in Vergessenheit geraten sind. Charles d'Argentil ist einer dieser Musiker. Obwohl er zu Lebzeiten als bedeutender Komponist galt, sind heute nur wenige Informationen über sein Leben und Werk bekannt.Ein Leben im Dienste der Musik
Charles d'Argentil wurde um 1500 geboren und wirkte im Italien des 16. Jahrhunderts. Er war als Sänger und Komponist tätig und stand von 1528 bis 1556 im Dienst der päpstlichen Kapelle in Rom. Zu seinen Aufgaben gehörte die Aufführung geistlicher Musik in den Gottesdiensten des Papstes und des Kardinalskollegiums.
Einzigartige Klangwelten
d'Argentils Kompositionen zeichnen sich durch ihren ausgewogenen Kontrapunkt, ihre reiche Klangfarbe und ihren emotionalen Ausdruck aus. Er schuf sowohl geistliche als auch weltliche Werke, darunter Messen, Motetten, Chansons und Kanzonen. Seine Musik zeigt Einflüsse der französischen und italienischen Renaissancemusik, aber auch einen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil.
Wiederentdeckung eines Meisterwerks
Eines der bedeutendsten Werke d'Argentils ist die "Missa pro defunctis", eine achtstimmige Vertonung der Totenmesse. Dieses Werk galt lange Zeit als verschollen, wurde aber im Jahr 2020 wiederentdeckt. Die "Missa pro defunctis" zeichnet sich durch ihre emotionale Tiefe und ihre reiche Klangfarbe aus. Sie ist eines der frühesten erhaltenen polyphonen Requiems und gilt als ein bedeutendes Werk der französischen Renaissancemusik.
Neue Perspektiven auf die Renaissance
Die Wiederentdeckung der "Missa pro defunctis" und anderer Werke d'Argentils bietet neue Perspektiven auf die französische Renaissancemusik. Sie zeigt, dass diese Epoche noch viel mehr zu bieten hat als die Werke der bekannten Komponisten wie Josquin des Prez oder Guillaume Dufay. d'Argentils Musik ist ein wertvoller Beitrag zur Musikgeschichte und verdient es, wiederentdeckt und aufgeführt zu werden.
Ensemble Gilles Binchois erweckt d'Argentils Werk zum Leben
Das französische Ensemble Gilles Binchois hat sich der Wiederentdeckung der Musik d'Argentils verschrieben. Im Jahr 2024 veröffentlichten sie das Album "Timor Mortis", auf dem die "Missa pro defunctis" und andere Werke d'Argentils zu hören sind. Die Aufnahme wurde von Kritikern gelobt und als eine wichtige Wiederentdeckung eines vergessenen Meisterwerks bezeichnet.
Ein wichtiger Schritt zur Wertschätzung vergessener Komponisten
Die Wiederentdeckung und Aufführung der Werke von Charles d'Argentil ist ein wichtiger Schritt zur Wertschätzung vergessener Komponisten. Es zeigt, dass die Musikgeschichte voller Schätze ist, die noch darauf warten, entdeckt zu werden. Die Musik d'Argentils ist ein wertvoller Beitrag zur Kulturgeschichte und verdient es, von einem breiten Publikum gehört zu werden.
Große Plattenfirmen verklagen KI-Musikgeneratoren Suno und Udio wegen Urheberrechtsverletzung
Große Plattenfirmen verklagen die künstliche Intelligenz (KI)-Musikgeneratoren Suno und Udio wegen Urheberrechtsverletzung. Die Klage richtet sich gegen die Nutzung der Werke von Künstlern wie Chuck Berry und Mariah Carey durch die KI-Musik-Startups.Die Recording Industry Association of America (RIAA) gab am Montag die Klagen bekannt, die von Labels wie Sony Music Entertainment, Universal Music Group und Warner Records eingereicht wurden. Eine Klage wurde vor einem Bundesgericht in Boston gegen Suno AI eingereicht, während die andere in New York gegen Uncharted Labs, den Entwickler von Udio AI, geführt wird.
Suno AI CEO Mikey Shulman erklärte in einer E-Mail, dass die Technologie darauf ausgelegt sei, völlig neue Outputs zu generieren und nicht dazu, vorhandene Inhalte zu memorieren und wiederzugeben. Außerdem ermögliche es die Technologie den Nutzern nicht, auf spezifische Künstler zu verweisen. Shulman betonte, dass sein in Cambridge, Massachusetts ansässiges Startup versucht habe, dies den Labels zu erklären, aber statt eines offenen Dialogs hätten diese auf ihre bewährte anwaltliche Vorgehensweise zurückgegriffen.
Udio reagierte nicht sofort auf Anfragen zur Stellungnahme. RIAA-Vorsitzender und CEO Mitch Glazier sagte in einer schriftlichen Erklärung, dass die Musikindustrie bereits mit verantwortungsbewussten KI-Entwicklern zusammenarbeite. Er kritisierte jedoch „unlizenzierte Dienste wie Suno und Udio, die behaupten, es sei ‚fair‘, das Lebenswerk eines Künstlers zu kopieren und ohne Zustimmung oder Bezahlung für eigenen Profit zu nutzen“, da dies das Potenzial wirklich innovativer KI für alle behindere.
KI ist ein heiß diskutiertes Thema in der Musikindustrie, wobei die Debatten von den kreativen Möglichkeiten der neuen Technologie bis hin zu rechtlichen Bedenken reichen. Im März wurde Tennessee der erste US-Bundesstaat, der Gesetze zum Schutz von Songwritern, Künstlern und anderen Musikprofis vor den potenziellen Gefahren der künstlichen Intelligenz verabschiedete. Unterstützer erklärten, das Ziel sei sicherzustellen, dass KI-Tools nicht ohne Zustimmung die Stimme eines Künstlers replizieren können.
Im darauffolgenden Monat unterzeichneten über 200 Künstler einen offenen Brief, der von der Non-Profit-Organisation Artist Rights Alliance eingereicht wurde. Darin forderten sie KI-Technologieunternehmen, Entwickler, Plattformen und digitale Musikdienste auf, die Nutzung von KI zur Verletzung und Entwertung der Rechte menschlicher Künstler zu stoppen.
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